¿Qué es el Arte del Renacimiento? Obras y Artistas Principales
En este artículo vamos a hablar sobre el arte del renacimiento, que tuvo lugar durante el siglo XV y gran parte del siglo XVI. Explicaré de forma breve qué fue el Renacimiento, cuales son sus orígenes, y luego mencionaremos a muchos artistas influyentes tanto de Italia como de otras partes de Europa.
Narraré la biografía de cada uno, de forma resumida, y luego narraré una obra destacable de cada artista, centrándome en su estilo artístico, su contexto histórico, y su repercusión al momento de realizarla.
Prepárate, porque este es un artículo largo y denso, y aprenderás mucho más sobre la importancia del Renacimiento, y por qué este movimiento fue un game changer.
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¡Empecemos!
¿Qué es el Renacimiento?
La palabra ‘Renacimiento’ significa volver a nacer, y en el contexto de las artes plásticas hace referencia al redescubrimiento del arte de las antiguas Roma y Grecia. La inspiración por el arte clásico no había caído del todo durante la Edad Media, pero su influencia fue esporádica.
En el siglo XV todo eso cambió. El Renacimiento empezó a ganar terreno en Italia, donde fue aceptado ampliamente como modelo de inspiración artística. De hecho, los padres del arte renacentista venían de Florencia, y eran los escultores Lorenzo Ghiberti y Donatello, el pintor Masaccio, y el arquitecto Filippo Brunelleschi.
Poco después el Renacimiento llegaría a otras ciudades de Italia, como la capital Roma, o Milán. El Papa Julio II dio trabajo a Miguel Ángel, y a Rafael, mientras tenía en mente reconstruir la Basílica de San Pedro. Por su parte, Leonardo da Vinci también trabajó en Roma, pero mantuvo una relación mucho más estrecha con Milán.
De todas formas, también hubo otra revolución artística en el norte de Europa, con un matiz distinto, y se basó en las nuevas posibilidades de la pintura al óleo, con los que se plasmaba un gran realismo. Esta técnica se aplicó a distintos temas, desde escenas fantásticas hasta al paisaje y la vida rural. Hablaremos también de artistas como Jan van Eyck, o El Bosco, en este artículo.
Artistas principales del Renacimiento en Italia
Leonardo Da Vinci
Leonardo Da Vinci nació en el año 1452, en la Toscana. A los 14 años se formó con su mentor Andrea del Verrocchio, un talentoso y expresivo dibujante.
Leonardo realizó algunas de las obras más importantes del Renacimiento, aunque también fue conocido por otros aspectos. Además de pintor, era inventor, escultor, arquitecto, ingeniero, y astrónomo. Era un genio polifacético en toda regla.
Vamos a hablar de algunas de sus obras:
La Gioconda es una de las obras de arte más famosas del mundo. Representa a Lisa Gherardini, esposa del mercader Francesco del Giocondo, y es famosa por varios rasgos, entre ellos su enigmática sonrisa. Fue teniendo varias modificaciones durante más de una década.
La Virgen y el Niño con santa Ana es otro cuadro legendario, que representa a Cristo abrazando a un pequeño cordero, junto a la Virgen y Santa Ana. La escena se sitúa en un paisaje impresionante, al borde de un cañón, lo cual añade tensión a la escena
Puedes ver ambos cuadros debajo.
Como dato curioso, una característica de Da Vinci fue el uso de bosquejos, que son los primeros trazos, boceto, o diseño que se realiza de una pintura, que supone la primera materialización del autor. Esta práctica se extendió entre los artistas del Renacimiento, tales como Rafael, o Botticelli, hasta la era contemporánea con ejemplos como Pablo Picasso o Anselm Kiefer.
Además a Leonardo le costaba terminar los cuadros, ¡muchas veces los dejaba a medias! Ese fue otro rasgo peculiar suyo.
Miguel Ángel
Miguel Ángel nació en la Toscana en el año 1475, y vivió casi 90 años. Fue un escultor, pintor, y arquitecto italiano. A sus 13 años era aprendiz del pintor Domenico Ghrilandaio, y empezó a hacer las esculturas de Baco, y La Pietà, que lo lanzaron al estrellato artístico. Más tarde, en el año 1508, Miguel Ángel comenzó a pintar el techo de La Capilla Sixtina.
Este techo se desarrolló entre los años 1508 y 1512, y explica con enorme precisión las nueve historias del Génesis, al capítulo que abre el Antiguo Testamento. Además, aparecen otros elementos que se complementan entre sí:
Retratos de hombres desnudos.
Medallones: son diez escudos circulares sostenidos, pintados para parecerse al bronce y con pan de oro.
Pechinas: es decir, triángulos esféricos, que presentan una superficie de tres arcos de circunferencia. En ellas se representan cuatro momentos decisivos de la salvación del pueblo de Israel, como el relato de David y Goliat.
Profetas del Antiguo Testamento, y sibilas.
Figuras desnudas de bronce.
Debajo de los profetas y sibilas están las pinturas de los antepasados de Cristo, que son Josías, Roboam, el rey Salomón, Obed, etc.
NOTA: Si quieres ver más información sobre la bóveda de la Capilla Sixtina, en esta web podrás apreciarla en todo su esplendor.
La creación de Adán, perteneciente a la Capilla Sixtina. Sin lugar a dudas, la decoración del techo de la Capilla Sixtina fue una obra monumental, cuyo valor cultural es inconmensurable.
Sin embargo, no olvidemos que Miguel Ángel amaba la escultura, por encima de la pintura.
Su forma de abordar el diseño de las esculturas era así: destrozaba y reventaba la piedra, durante días, sustrayendo el mármol sobrante. Entre otras obras, destacan los ‘cuatro esclavos’, que eran cuatro figuras masculinas inacabadas esbozadas en bloques de mármol.
Con esas creaciones Miguel Ángel quería transmitir la desesperación de esos hombres por salir del mármol, de modo que permanecen inacabadas. Dentro de la misma sala de esas cuatro obras está la escultura de David, totalmente refinada.
En esta web verás, de forma más detallada, el museo donde se ubican las esculturas que te he comentado.
Masaccio
Tommaso di ser Giovanni, más conocido como Masaccio, fue un pintor italiano del Quatrrocento. Nació en el 1401 y falleció bastante joven, en el 1428.
La principal aportación de Masaccio fue transmitir a sus obras la ilusión de tres dimensiones, gracias a los descubrimientos sobre perspectiva lineal del arquitecto Filippo Brunelleschi, que fueron recogidos por su compañero Leon B. Alberti en su tratado De la pintura.
Tras siglos y siglos de ver obras que no transmitían profundidad y realismo, en la primera mitad del siglo XV, estas figuras históricas cambiaron al cien por cien las reglas, siendo los pioneros de la ciencia de la perspectiva, elevando así el arte y las pinturas a un nuevo nivel. Unos verdaderos titanes, sin duda.
Masaccio elaboró varias obras, pero la más importante es la Santísima Trinidad, del 1428. En ese cuadro se aprecia una capilla con bóveda donde Dios Padre sostiene a Cristo crucificado, con la Virgen María y san Juan flanqueando la cruz.
Otra innovación interesante de Masaccio fue dominar la técnica del claroscuro, que consiste en iluminar una escena mediante áreas de luz y oscuridad contrastadas para producir sombras, lo cual también ayuda a que la obra sea tridimensional.
En resumen: al combinar los elementos de la perspectiva lineal, con el dominio de las luces y sombras, se transmite la ilusión de tres dimensiones al espectador, como si fuera un espacio físico verdadero.
Pisanello (Antonio di Puccio Pisano)
Pisanello fue un pintor y medallista italiano, también del Quatroccento. Nació en Pisa alrededor del año 1394, y su mayor punto fuerte era diseñar medallas. Eso le distinguió del resto.
Las medallas se usaban desde la Antigüedad para conmemorar a un gobernador, o a un hombre de Estado, o bien para recordar una victoria o celebrar unos esponsales (es decir, una promesa de matrimonio). Se hacían de oro, plata, o bronce, y se producían en series de unas pocas o hasta varios centenares, y las representaciones de ambos lados se complementaban entre sí.
Pisanello fue conocido, por elevar el retrato de medallón a la gran liga de los retratos. Sus obras presentan diseños de gran claridad y matices.
La medalla de la monja Cecilia Gonzaga, del año 1447, refleja la brillantez intelectual, y su virtud, empleando símbolos clásicos y medievales que reflejan su formación humanista. Cecilia fue la hija del marqués de Mantua, y había rechazado un matrimonio a sus 20 años, para vivir como monja. Por eso, la obra de abajo es como una dedicatoria a ella, más o menos.
Una medalla súper precisa, y con carácter simbólico y realista a la vez.
¡Pisanello hizo un gran trabajo aquí!
Sandro Botticelli
Sandro Botticelli nació en Florencia en 1445, y vivió hasta el año 1510, y fue otro pintor con gran talento.
Botticelli se hizo conocido, sobre todo, por sus obras mitológicas, como El Nacimiento de Venus, y la que veremos debajo. Debemos recordar que, durante el Renacimiento, la mitología alcanzó la misma dignidad que la temática cristiana, y los temas míticos proliferaron en el siglo XV. El uso del mito en el arte tenía una función alegórica, es decir, se trataba de transmitir un significado oculto, como una postura política, o un mensaje didáctico o espiritual.
En la obra Palas y el centauro esto se ve bastante claro.
Esta obra representa a una mujer joven con sus dedos de la mano derecha enredados en el pelo de un angustiado centauro. En aquella época, el centauro se reconocía como la personificación de la lujuria. Estas criaturas solían aparecer persiguiendo a ninfas en la mitología clásica. En el cuadro, se ve a Palas agarrando el cabello del centauro, lo retiene, y él cede ante ella.
De ese modo, el cuadro se interpreta como el triunfo de la virtud y la razón sobre la pasión y el vicio. ¡Una alegoría en toda regla!
Rafael (Rafaello Sanzio)
Rafael fue otro gran artista surgido durante el Renacimiento, y un pintor de culto. Nació en 1483, y vivió hasta el año 1520. Rafael, desde muy joven era un niño prodigio, y realizó encargos por toda Italia, y pasó sus años de formación en Florencia.
Incluso llegó a contribuir en algunas obras del Vaticano, como los cartones que representaban escenas de las vidas de san Pedro y san Pablo (encargados por el Papa León X, en el 1515).
En este cartón, llamado La Pesca Milagrosa, se representa el episodio evangélico en que Cristo enviaba a los apóstoles a lanzar las redes a las aguas profundas, consiguiendo muchos peces. Hay dos rasgos sorprendentes de este cuadro:
Los cuerpos de los apóstoles poseen el mismo cuerpo musculado, y se omite cualquier defecto.
Además, se emplea una paleta de colores limitada y sencilla. El azul domina gran parte del cuadro, el blanco pertenece a Jesucristo, sentado a la izquierda, el verde aparece en la parte superior a la derecha, y el amarillo verdoso pertenece a las barcas.
Para explicar la importancia que tuvo Rafael, debemos recordar que él inspiró a varios pintores posteriores, como el francés Nicolas Poussin, o los hermanos Carracci. En sus obras, Rafael pintaba versiones idealizadas elaboradas en su imaginación, y retrataba la dignidad, la grandeza, y la belleza para compensar los defectos de la realidad.
Su legado y su estilo, conocido como la grande maniera, ha durado varios siglos desde entonces.
Tiziano
Tiziano fue otro pintor importante del Renacimiento. Nació en el 1488, y vivió una larga vida (falleció cerca de los 90 años). Obtuvo una importante reputación, haciendo encargos para reyes como Francisco I, o Carlos I de España. Dominaba todos los géneros pictóricos, desde el retrato y las obras religiosas hasta las escenas mitológicas y el desnudo femenino.
Su cuadro Venus de Urbino, del año 1538, es una obra maestra del desnudo femenino. Tiziano tuvo una clara conciencia del poder sexual de su obra, y usa el contraste entre la nitidez decorativa, y la suavidad carnal para atraer la mirada del espectador hacia el cuerpo recostado.
Es un cuadro sencillo, pero repleto de detalles. Además de la belleza femenina, se aprecia una pesada cortina oscura que cuelga detrás del torso de la mujer, que divide el lienzo en dos mitades – mitad pública y la otra mitad privada, mitad cotidiana y la otra erótica.
Además, como se aprecia en la pintura, la mirada de la mujer se dirige al espectador, sin avergonzarse según la desnudez. Como comenta la historiadora del arte Rona Goffen:
Los ojos de Venus, que nos atrapan de forma irresistible, afirman su carácter, su intelecto, y su capacidad de elección.
Benvenuto Cellini
A medida que nos adentramos al siglo XVI, el manierismo fue cobrando cada vez mayor protagonismo. Tiene algunas similitudes con el movimiento del Renacimiento, pero se diferenció por su estilo más exagerado, dramático y emocional. Y ese estilo atraía a la nobleza de las cortes reales europeas.
Una prueba clara de ello es el Salero de Francisco I, elaborado por Benvenuto Cellini (1500 – 1571), escultor y orfebre italiano, finalizado en el 1543. Es un salero de oro extraño, con una figura masculina y otra femenina. La masculina representa el océano, y lleva consigo un tridente, mientras que la femenina representa la tierra.
Como dato curioso, el salero fue robado en Austria en 2003, pero pudo ser recuperado tres años más tarde.
Artistas del Norte de Europa
Jan van Eyck
Jan Van Eyck fue un pintor flamenco de Brujas. Se cree que nació alrededor de la década de 1380, y al igual que los ejemplos que vimos antes, fue un auténtico titan de la pintura. Trabajó para nobles de la corte, como Juan de Baviera, y más adelante para Felipe el Bueno, realizando de forma recurrente encargos diplomáticos. Falleció en el año 1441.
Una de sus obras más conocidas es El Retrato de Arnolfini y su esposa, del año 1434. Esa obra está plagada de detalles y objetos simbólicos, representados con una precisión impresionante.
El detalle y la claridad que Van Eyck fue capaz de plasmar, contribuyó a promocionar la pintura del óleo entre la comunidad artística, la cual fue reemplazando a la técnica del temple al huevo, que tenía algunos defectos.
Esta obra representa, supuestamente, a un comerciante italiano con su segunda esposa, sin identificar, y gracias a la hábil perfección de Van Eyck, se observa el deseado reflejo de la riqueza, el gusto, los principios morales, y el poder de las personas retratadas. Se pueden ver varios detalles: el calzado de la pareja, los rosarios al lado del espejo, y la única vela encendida en el candelabro.
En definitiva, en esta pintura, se aprecia un realismo brutal, y demasiado alto. Una obra digna de un prodigio como Jan van Eyck.
Van der Weyden
Van der Weyden nació en la región de Flandes (actual Bélgica) en 1399, y falleció en el 1464. Estudió junto el pintor flamenco Robert Campin, y fue un prolífico artista de esa región. Su obra ganó prestigio en distintos países europeos, como Francia, Alemania, o España. No se sabe mucho sobre su juventud, pero algunas obras suyas perduraron (otras en cambio se destruyeron en el año 1695).
Van der Weyden promovió la corriente artista devotio moderna, que promovía la piedad individual del cristiano mediante la imitación de las acciones y actitudes de Jesucristo.
Una obra importante de su carrera fue El Descendimiento, cuyo tema es el dolor de la Virgen María y compañía ante la muerte de Cristo. Cada uno de los personajes expresa tristeza, y una gran compasión al ver el sufrimiento de Jesucristo, recién crucificado (en especial La irgen).
El espacio poco profundo, y la sensación de intimidad refuerzan el impacto dramático y emocional de la obra. Además, el fondo dorado de la obra encaja bien con los personajes.
Alberto Durero
Alberto Durero fue otro artista de gran prestigio. Nació en Núremberg en 1471,
y vivió hasta el 1528. Durero se distingue del resto de artistas por centrarse en los grabados.
El grabado es la disciplina artística basada en la impresión dibujando una imagen sobre una superficie rígida, llenándola de tinta y transfiriéndola por presión a otra superficie (generalmente papel o tela), consiguiendo varias reproducciones. La xilografía, por otro lado, es el arte de grabar en madera, y en eso se especializó Durero sus primeros años. Los grabados se vendían por separado, o en colecciones, y fueron ganando popularidad a finales del siglo XV, gracias al mentor de Alberto Durero, Wilhelm Pleydenwurff.
Una de sus mejores obras es Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis, del año 1498.
Es una obra terrorífica e irresistible a partes iguales. Las amplias áreas blancas sin entintar contrastan con las oscuras e intrincadas figuras, y transmite una extraña atmósfera. La caracterización de cada uno de los jinetes y las víctimas es tan detallada como variada.
Completar este cuadro supuso una hazaña milagrosa, dada la habilidad necesaria para alcanzar ese grado de dominio en un bloque de madera.
Andréi Rubliov
Andréi Rubliov fue un pintor e iconógrafo ruso, nacido en la década del 1360. ¡No lo confundamos con el jugador de tennis!
Se sabe poco sobre su vida, pero fue un exponente importante del arte bizantino, de Europa del Este.
En la Iglesia ortodoxa un icono es una pintura religiosa, a menudo sobre tabla (esto es, en una superficie de madera), que suele representar a Jesús, a María, o a algún santo. Los iconos se consideraban objetos sagrados que ofrecían a los creyentes un contacto directo con las figuras representadas.
La Trinidad es una obra maestra de la pintura de iconos, y la pintó el ruso Andréi Rubliov en 1411. Este icono lo representan tres personajes: el Padre, el Hijo y el Espíritu Santo, y se encuentran reunidos alrededor de un altar, donde descansa un cáliz que simboliza la Eucaristía.
Rubliov expresa la interacción entre los visitantes mediante una elegante composición circular. El ojo del espectador va de una figura a otro alrededor del cáliz, manteniéndose la energía concentrada dentro de la imagen.
El Bosco (Hieronymus Bosch)
El Bosco nació alrededor del 1450 en el Ducado de Brabante (actuales Países Bajos), y venía de una familia de artistas. Era un hombre algo enigmático, que sólo llegó a firmar algunas de sus obras.
La obra El Jardín de las Delicias, en mi opinión, es una de las mejores obras de todos los tiempos… yrecurre mucho a la fantasía. Esta obra, que mide 220 x 389cm, es una pintura sobre óleo alucinante que emplea la fantasía para mostrar los peligros de los placeres terrenales (especialmente de la lujuria), y sus terribles consecuencias en el contexto de la fe cristiana.
Es una obra llena de personajes, tanto humanos como animales y monstruos, y se distancia de la realidad al tiempo que proponían una serie de moralejas.
Como se puede ver arriba, es un tríptico que se divide en tres paneles, y se lee de izquierda a derecha:
El primer panel, a la izquierda, figura el jardín del Edén: Dios presenta a Adán y Eva, y bendice su unión.
El segundo panel, el central, es el jardín de las delicias terrenales: se advierte contra los pecados de la carne. Hay muchas mujeres desnudas, y si nos fijamos con detalle, vemos varios mensajes subliminales e implícitos donde ellas se representan a menudo como tentadoras, y vemos a algunos hombres desnudos montados en animales desbocados.
El panel de la derecha, está dedicado al Infierno, y da un giro siniestro. Está repleto de monstruos sacados de la imaginación de El Bosco, y simboliza el castigo. La tortura está presente en todas partes: instrumentos afilados hieren los miembros de la gente, y máquinas fantásticas destrozan los cuerpos.
En palabras de E. H. Gombrich, historiador del arte:
“[El Bosco] consiguió dar forma concreta y tangible a los temores que obsesionaron al hombre de la Edad Media.”
Pieter Brueghel El Viejo
Pieter Brueghel el Viejo nació en Breda, alrededor del 1525, y vivió hasta el 1569.
Fue todo un pionero de la pintura paisajística. Puso el paisaje en primer plano, y representó además las actividades humanas como parte integral del paisaje. Además, Brueghel tenía un gran interés por las vistas, los sonidos, y las experiencias cotidianas de la vida cerca de la naturaleza.
Una obra importante hecha por él fue Cazadores en la nieve, del 1565. Este paisaje está fuertemente inspirado en un descenso pronunciado de las temperaturas en el hemisferio norte, que los expertos han denominado Pequeña Edad de Hielo.
Del mismo modo, pocos años atrás Brueghel viajó por los Alpes y por Italia, y solía realizar algunos bocetos de los paisajes que contemplaba. Todo eso sirvió para que Pieter Brueghel pintara un escenario imaginario basado en recuerdos suyos.
Las puntas de las lejanas montañas, situadas algo más arriba de los edificios al fondo ponen de manifiesto la diferencia de tamaño entre el mundo natural y el mundo fabricado por el hombre.
En conclusión: si bien es cierto que la nieve es contundente en esta obra, Brueghel aporta una nota positiva para compensar las sombras que proyectan las insólitas montañas. La comunidad que vive bajo su sombra prospera y bulle de actividades a pesar (en realidad, gracias a) el intenso frío. Se percibe una vida cotidiana radiante.
Otras obras importantes
En esta sección vamos a explorar un par de obras realizadas durante la época del Renacimiento, pero que no guardan ninguna relación con éste. Vendrían a ser como un cajón de sastre.
Diosa Coatlicue
Volvemos a tocar el terreno de la mitología, para centrarnos en las diosas de la Tierra. Las representaciones de estas diosas son una de las tradiciones más antiguas del arte, y eran figuras maternales (de la madre tierra)
Algunos ejemplos de diosas de la Tierra fueron: las diosas griegas Deméter, su hija Perséfone, o incluso Isis, del Antiguo Egipto.
En esta ocasión, resumiremos brevemente la escultura de la Diosa Coatlicue (la diosa azteca de la tierra). Fue encontrada en la capital de México en el año 1790, mide tres metros y medio de altura, y fue esculpida mediante basalto. Es considerada una obra maestra de los aztecas, y al mismo tiempo una escultura aterradora e imponente.
Como se puede apreciar, lleva una falda de serpientes de cascabel entrelazadas, un collar de manos y corazones humanos, y una calavera en el centro. Representa tanto la creación como la destrucción. Muy original, hablando en plata.
Bronces de Benín
Poco antes del año 1900, los británicos saquearon la ciudad de Benín, y se llevaron miles de bronces del palacio del oba (el rey), conservados en muy buen estado.
Estos bronces, en realidad, estaban hechos de latón fundido, y un conjunto de empleados del rey los produjeron mediante el método de la cera perdida. Se encontraron más de 1.000 relieves, que representaban la vida cortesana y rituales, así como algunos acontecimientos históricos.
Sin lugar a dudas, son un patrimonio clave del arte africano, y se realizaron entre los siglos XIII hasta el siglo XVII, más o menos en el contexto de la Baja Edad Media y el Renacimiento.
La llegada de los bronces de Benín a Europa tras el saqueo, impactó fuertemente a los artistas europeos. Las características estilísticas y técnicas de estas piezas influyeron en varios movimientos artísticos del siglo XX, tales como el cubismo, el surrealismo (visible en lienzos de Max Ernst) o el expresionismo.
Bueno, esto ha sido todo. Hemos visto en profundidad muchas obras de diferentes estilos, un poco de todo, y este largo artículo fue un viaje interesante en el tiempo. Como he mencionado en la introducción, el periodo del Renacimiento fue una verdadera revolución que sacó lo mejor de numerosos artistas, desde Rafael hasta Pieter Brueghel, pasando por Miguel Ángel, entre muchos otros.
¡Espero que os haya gustado!
Un saludo :)
